Ximenna Pilgrim es muy cool, ¿han leído su blog?

viernes, 27 de enero de 2017

MODOS ECLESIÁSTICOS




Son las escalas musicales utilizadas durante toda la Edad Media en el Occidente para escribir la música, tanto el gregoriano, como la música secular. Su organización y estandarización se debe a un monje llamado Hucbaldo, quien buscaba un método apropiado para enseñar a cantar correctamente a los monjes de su comunidad.



Sobre los modos se debe tener en cuenta lo siguiente:


-Todos los modos tienen una finalis (que corresponde a nuestra tónica), ubicada en re, mi, fa, y sol respectivamente-

-Los modos se enumeran del I and VIII.

-A los modos impares se les llama modos auténticos y a los pares, plagales.

-Todos los modos tienen una dominante, que también recibe el nombre de tono de recitación.

-La dominante funciona como un centro de gravedad secundario y es la altura en la cual se entonaba, en caso de que el canto fuera Salmódico.

-En los modos auténticos la dominante está situada una quinta por encima de la finalis, a menos que caiga en la nota SI, cuyo caso se pasa a DO.




-Los ocho modos se estructuran a partir de una nota finalis (nota con la que termina la pieza), que están comprendidas en el tetracordo (sucesión de 4 notas descendentes comprendidas en el ámbito de una 4ta Justa).

Se trata en realidad de 4 escalas diatónicas que comienzan respectivamente en re, mi, fa y sol.

-El dórico o dorio era el tetracordo básico de cuyas notas surgían otros tres. La unión de dos tetracordos iguales constituía el modo. El nombre de los tetracordos y sus nombres son: Dórico -simétrico, Frigio -simétrico, Mixolidio -asimétrico.
Cada modo tenía una nota fundamental y en el modo auténtico empezaba y terminaba con la dominante. Solamente las notas la, sol fa y mi podían ser fundamentales, y mi, re, do y si eran dominantes.

El modo dórico era el más importante del sistema.


-Un modo se identifica por su finalis, su rango y su dominante

-Dos escalas que constan de los mismos sonidos, se diferencian por sus finalis y dominantes. 
En los libros litúrgicos de la Iglesia Católica, se coloca en la parte de arriba de la partitura el modo en  que está escrito determinado canto.
        
-Las melodías de los cantos no fueron escritas en alturas absolutas. Al ejecutarlas se transportaban de acuerdo al rango de voces utilizado.
        
-Con el tiempo, y más por un error histórico, comenzaron a nombrarse los modos eclesiásticos igual que los modos griegos: dórico, frigio, lidio y mixolidio para los auténticos, e hipodórico, hipofrigio, hipolidio e hipomixolidio para los plagales. Esta forma de nombrar los modos eclesiásticos es la más usual actualmente.
       
Más adelante fueron adicionados tres modos más:
.El modo Jónico, con finalis en Do
.El modo Eólico, con finalis en La
.El modo Locrio, con finalis en Si







Los modos auténticos son:
. Protus (finalis en D)
.Deuterus (finalis en E)
.Tritus (finalis en F)
.Tetrardus (finalis en G)

Los modos plagales comienzan una cuarte por debajo del correspondiente modo aunténtico, pero su finalis es la misma.
Los modos plagales son:
- Protus plagal (finalis en D)
-Deuteurs plagal (finalis en F)
-Tetrardus plagal (finalis en G)





    
     
Al final del Renacimiento se fue abandonando lentamente el uso de los modos eclesiásticos. 

Más adelante, con la aparición del sistema temperado de afinación, estos se abandonaron 
por completo, dando paso al sistema tonal. Y poco a poco fueron tomando mayor relevancia
los modos Jónico y Eólico, que corresponden a nuestras escalas mayor y menor respectivamente.




Fuentes: https://rua.ua.es/dspace/bitstream/10045/12173/7/t4-2.pdf
http://apreciacionehistoriadelamusica.blogspot.mx/2011/07/los-modos-eclesiasticos.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Modo_musical

jueves, 26 de enero de 2017

Neumas




En la época griega y romana, la escritura musical era alfabética, sin embargo en la edad media se dejó de usar este tipo de notación, la neumática, que aparece en el siglo IX.

La notación neumática consistía en una seria de signos gráficos que se escribían por encima de un texto y que representaban uno o varios sonidos, sin especificar el ritmo, se movían tratando de imitar los movimientos que hacía el maestro de coro con la mano al dirigir a los cantantes..
Las grafías especifican el número de sonidos, el modo en que se articulaban entre sí, así como la situación tonal o melódica de los sonidos relativa e imprecisa dentro de una escala.





Su origen está en la indicación de los acentos graves y agudos de las palabras latinas sobre el texto, formando los llamados neumas que representaban muy imperfectamente los giros melódicos de una pieza musical. En la notación neumática, el tempo y el ritmo dependen del texto y no se anotan.









Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Notaci%C3%B3n_neum%C3%A1tica
http://blogmodal.blogspot.mx/2011/01/los-neumas.html
https://musicaenlaedadmedia.wordpress.com/tag/neumas/

5 TIPOS DE CONTRAPUNTO




Las especies de contrapunto son atribuidas al compositor austriaco Johan Joseph Fux, quien las expuso en su tratado Gradus Ad Parnasum, editado en 1725.

Cada especie tiene un propósito:

1. Nota contra nota: busca que el alumno aprenda el manejo melódico y armónico de las consonancias

2. Segunda especie: el alumno aprenda a manejar las notas de paso.

3. Tercera especie, busca que el alumno aprenda los movimientos en ornato en la disminución.


4. L a cuarta especie busca que el alumno aprenda a manejar los retardos armónicos y encadenarlos sucesivamente.

5. Y la quinta especie, que el alumno entienda aquí como la utilización de grados conjuntos que están presentes en un salto melódico en el mismo espacio de tiempo aprenda a ornamentar una línea melódica, combinando cada uno de los recursos aprendidos anteriormente.



Fuente: http://www.academia.edu/9083049/Sobre_las_Cinco_especies_del_Contrapunto

CONTRAPUNTO


Contrapunto, del latín punctus contra punctum, "nota contra nota". Es una técnica de composición musical que evalúa la relación existente entre dos o más voces independientes (polifonía) con la finalidad de obtener cierto equilibrio armónico. Casi la totalidad de la música compuesta en Occidente es resultado de algún proceso contrapuntístico, habiendo tenido un gran desarrollo durante el Renacimiento, y ha sido dominante en gran parte del periodo práctico, especialmente en la música Barroca.

En su aspecto más general, el contrapunto implica la escritura de líneas musicales que suenan muy diferentes y se mueven independientemente unas de otras pero suenan armoniosas cuando se tocan simultáneamente.

En cada época, la escritura de la música organizada contrapuntísticamente ha estado sujeta a reglas, es ocasiones estrictas.


El contrapunto se centra en la interacción melódica y sólo en segundo lugar en las armonías producidas los rasgos armónicos verticales.





Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Contrapunto
http://www.pianomundo.com.ar/teoria/contrapunto.html

CANTO LLANO





El término canto llano designa a la música vocal tradicional de las liturgias cristianas, el cual es oficial de rito romano. Este es por esencia monódico, es decir, consta de una única línea melódica y generalmente se canta a capella.

Por canto llano entendemos la música de la iglesia en la alta Edad Media, antes de la llegada de la polifonía. Habiendo crecido gradualmente en el servicio de culto cristiano, se convirtió en la música exclusiva de la iglesia hasta el siglo nueve, cuando la polifonía hizo su primera aparición.

Los orígenes del canto litúrgico cristiano subyacen en la práctica de las sinagogas judías y en la música pagana en los primeros centros de la iglesia (Jerusalén, Antioquía, Roma y Constantinopla).

El canto gregoriano es uno de los repertorios de canto llano y recibe su nombre del papa Gregorio I, llamado "el Grande", aunque la atribución es dada por una tradición de al rededor de dosce siglos, es en siglo XI que Guillermo de Hirschau llamó "gregoriano" al canto llano.





Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Canto_llano
http://ec.aciprensa.com/wiki/Canto_llano
http://luxaeterna-musik.blogspot.mx/2008/11/canto-llano.html

MONODIA



Etimológicamente, monodia proviene del término griego μονῳδία [monodia], compuesto de μόνος [monos] que significa "solo, único" y ᾠδή [ode] que quiere decir "oda, canto".

En música, generalmente hace referencia a una composición musical para una sola voz (una sola melodía). Podrían ser varios instrumentos o cantantes pero todos tienen que cantar/tocar la misma melodía. En el Edad Media, el canto llano heredado del Imperio Romano es monódico, como lo fue toda la música anterior y mucha de la que se compuso hasta el siglo XII.

Es un término que ha variado a lo largo de la historia y en consecuencia, puede hacer referencia a dos conceptos:

-La monodia o monofonía, que es la textura musical (forma en que los materiales melódicos, rítmicos y armónicos se combinan en una composición) característica de la música medieval, como el canto gregoriano. En esta textura todas las voces e instrumentos que intervienen cantan o tocan simultáneamente la misma melodía, al unísono o a distancia de octava.

-La monodia acompañada o melodía acompañada es otro tipo de textura musical que proviene del estilo creado por la Camerata Florentina a finales del siglo XVI, en el que una única voz solista es acompañada por instrumentos. Así pues, estrictamente hablando, esta textura no es monódica, sino de melodía acompañada. Sin embargo, recibió este nombre ya que, en contraste con el estilo entonces dominante, era una sola voz la que conducía el discurso musical sobre un acompañamiento instrumental de acordes.


La monodia es un tipo de música que se puede encontrar en diversas culturas a lo largo de la historia, asó como en gran parte de la música folclórica y popular. Sin embargo, esta denominación por lo general es aplicada a la canción italiana de comienzos del siglo XVII, especialmente en el período que va desde aproximadamente 1600 hasta 1640.






Fuentes:  https://es.wikipedia.org/wiki/Monodia
https://historiadelamusica.wordpress.com/2014/11/03/monodia-y-polifonia/

jueves, 1 de diciembre de 2016

Conciertos Nov 2016



Concierto 1




El primer concierto al que asistí fue a escuchar a la Orchestra of the Swan, el 22 de Noviembre (¡día del músico!). Las cortesías nos las dieron en la escuela, así que fui con toda la banda.

La verdad es es que en algún momento pensé que tendría que ver con el Lago de los Cisnes, o sea que por un segundo pensé que oiría a Tchaikovsky. ¡Qué bueno que eso no se lo dije a nadie! Hubiera quedado como una estúpida.

Pero eso sí, la emoción de cuando las luces se apagan, y entonces sale el primer violín y todos se quedan calladitos calladitos, para recibir con aplausos al director y la la violinista, la cual me pareció muy joven para ocupar el puesto que tiene. Me puse a pensar mucho en eso durante el concierto.

El ascenso de la Alondra fue interesante, porque lloré poquito. La escuchamos dos veces porque pasó lo siguiente:
algo que de verdad fue fastidioso, es que había algo mal conectado, no sé qué era, pero estaba el zumbido raro. Llegó un punto en que de verdad sonaba muy fuerte, molestaba. Y nadie, absolutamente nadie subió a arreglarlo. El director cortó de jalón la pieza y aún así nadie lo arreglaba, hasta que él le movió a noséqué y solo así.

Me sentí un poco conmovida en el concierto para violín en do mayor de Franz Joseph Haydn, hubo algo en esa noche, en la tarde. En la caminata rumbo al Palacio, quizás la compañía, ya que me encontraba con Jorge y Brenda. Algo hizo muy especial esa pieza por alguna razón esta y no otras.





Concierto 2



Este fue del 29 de Noviembre.

Ora sí que para este concierto como que no andaba chida. Culpo los finales, y el dolor de oído que ya quería que me pegara un tiro, y así, cruzar la ciudad para ir al Conservatorio. 
No me sentí a gusto, bien incómoda intenté dejar eso fuera de la sala de concierto.

Eso sí, disfrute cuando tocaron la Sonata en La menor de Schubert, recordé mis tareas del blog y me agradó el panorama que tenía. Es una sensación que se puede y no poner en palabras, o sea, sabes, mucho o poco por ejemplo de este mismo, sabes que era de Austria, piensas en el romanticismo, entonces ya estás parado en algún punto. Y sabes, y no sabes si alguien más en la sala sabe, ni ellos si tú sabes. O igual y saben más. Pero tú sabes, y entonces la pieza, esa sonata, se escucha diferente.


No voy a mentir, no soy fan de la música "culta" o "clásica". Pero he aprendido a escuchar, o intentado. Creo, es un poco difícil. 

No pasó mucho ni poco, mi oído estaba sensible y algunos sonidos, o ya dentro del concierto algunas notas, me molestaban. 

Fue corto a comparación de anterior, no fue malo, tampoco diré que he estado en mejores. Creo sigo sin forjarme una opinión acerca de este.