ORQUESTA ROMANTICA

Destaca en esta época el perfeccionamiento técnico de las válvulas y mecanismos de los instrumentos de viento metal, que mejoraron su flexibilidad, especialmente en el registro agudo, cobrando un nuevo protagonismo. El trombón se establece como integrante de la orquesta. También se refuerzan los graves con los nuevos prototipos de tubas. Se añade también el arpa, así como el piccolo, el clarinete bajo, el corno inglés, el contrafagot, la celesta.

El piano aparece ocasionalmente como miembro de la orquesta, no únicamente como solista. La percusión es la sección que más tardará en tomar su forma definitiva, utilizándose instrumentos como las castañuelas y los platos para conseguir diversos efectos sonoros. 

El papel de director se independiza definitivamente del primer violín, llegando finalmente a ser considerado un artista por derecho propio, un intérprete cuyo instrumento es la orquesta.

La orquesta experimenta un gran desarrollo, sobre todo gracias a los avances de Hector Berlioz y Richard Wagner. El número de instrumentistas sigue aumentando hasta el siglo XX, lo que obliga a incluir más cuerdas, maderas y percusión, para conseguir un equilibrio tímbrico.  

Berlioz, por ejemplo, llegó a componer obras para ser interpretadas por más de 500 músicos. En el siglo XX, los compositores escribieron para orquestas de inmenso tamaño. Gustav Mahler compuso la que se conoce como Sinfonía de los mil por el gran número de ejecutantes que precisa: gran coro y doble orquesta sinfónica.

CONCIERTO

Es una actuación musical.

En el ámbito de la música clásica occidental también es la forma musical en la que los materiales melódicos, rítmicos y armónicos se combinan en una composición, determinando así la cualidad sonora global de una pieza.
Designa la forma de relacionarse las diversas voces que intervienen en una pieza musical, entendiendo como voces diversas líneas melódicas simultáneas, sean vocales o instrumentales.

Básicamente podemos distinguir entre tres clases conciertos: El concierto da chiesa (eminentemente vocal) perteneciente al género religioso (de hecho, da chiesa significa ” de hecho iglesia “). Un acompañamiento instrumental dada respaldo a la voz. Su un origen se puedes fecha en la segunda mitad del siglo XVI. Su estructura se puede asimilar a la de la cantata. El concierto grosso, en el que dos grupos instrumentales (uno más pequeño llamado concertino y otro mucho mayor llamado ripieno o grosso, que es El conjunto orquestal, mantienen una especie de “enfrentamiento musical ” en la que cada grupo parece intentar destacar en diversos momentos. Los conciertos de Brahms de Hamburgo (Juan Sebastián vacas) son una de las mejores muestras después que estilo. El concierto de solista. En él, un solista se en enfrenta a toda la orquesta. En esta aceptación del concierto, la parte solista suele hacer gala de un gran virtuosismo instrumental. Esto está así sobre todo a partir de los compositores del romanticismo, en que la forma concierto crece y se hace más sofisticada. El concierto solista asiduo cultivado por todos los grandes compositores y casi todos los instrumentos tienen escritos algún concierto para ese instrumento y orquesta.

En cuanto a la estructura de estas dos últimas clases de concierto, la toman de la sonata: El concierto grosso, de la sonata pre-clásica y el concierto para solista, de la sonata clásica con sus tres movimientos.

Fuentes:

http://www.melomanos.com/la-musica/formas-musicales/concierto/

Wikipedia

COMPOSITORES NEOCLÁSICOS

Igor Stravinski, se dice es el más importante por la relevancia de su obra "Pulcinella".

Paul Hidenmith, compositor y musicólogo alemán.

Arthur Honegger, compositor suizo. Una de sus obrar más interpretadas es su composición para orquesta (movimiento sinfónico Nº1) Pacific 23, que imita el sonido de una locomotora de vapor

Darius Milhaud, compositor francés. Su obra se caracteriza por el empleo de la politonalidad (varias tonalidades simultáneas), así como de patrones rítmicos derivados del jazz. Perteneció al Grupo de los Seis francés.

Alfredo Casella, compositor, director de orquesta y pianista italiano.

Wolfgang Amadeus Mozart, uno de los compositores más célebres de la historia de la música occidental. Su producción incluye óperas, sinfonías y conciertos, cuartetos de cuerda, música para piano y de cámara.

Richard Strauss, destacado compositor y director de orquesta alemán conocido por sus óperas y poemas sinfónicos.

Joseph Maurice Ravel, compositor francés.

PERIODO NEOCLÁSICO

El neoclasicismo fue una corriente de la música contemporánea del siglo XIX.XX, que se manifestó especialmente en el periodo de entreguerras, en las décadas 1920 y 1940.
El movimiento se dio en Francia, Paris.

Sus características son un retorno a los grupos instrumentales pequeños (de cámara) en lugar de la gran orquesta.
El neoclasicismo rechazó las tendencia románticas e impresionistas. Esto contribuyó a formar un arte musical muy pulido, apoyando en un mayor respeto a las formas musicales y al refinamiento de la escritura.

En este periodo desaparece el bajo continuo, y en su lugar se acompaña con los acordes repetidos, con arpegios etc.
El ritmo del acompañamiento se vuelve más suave y natural que en el Barroco; la melodía principal se construye casi siempre de formas simétrica, con frases de cuatro y ocho compases.
Se perfeccionan las formas anteriores, la sonata clásica es la forma más clara de este estilo.




Uno de los compositores más importantes del periodo es Igor Stravinski, tanto que se considera que el Neoclasicismo inició con una de sus obras.




Fuesntes: https://es.wikipedia.org/wiki/Neoclasicismo_musical_del_siglo_XX
http://educacionartistica1.blogspot.mx/2011/05/romanticismo.html
http://www.icarito.cl/2009/12/366-4085-9-la-musica-en-el-neoclasicismo.shtml/

ORQUESTA FILARMÓNICA

Orquesta sinfónica o filarmónica.


Es una agrupación o conjunto musical de gran tamaño que cuanta con varias familias de instrumentos musicales, como el viento-madera, viento-metal, percusión y cuerdas. La clasificación de los instrumentos musicales se realiza de forma sistemática en función de los materiales empleados, su forma de ejecución, evolución histórica y su localización en el escenario. La clasificación obedece a la forma de producir el sonido y la forma en la que se tocan y construyen.

Tiene generalmente más de ochenta músico en su lista, solo en algunos casos llega a tener más de cien, pero el número de músicos empleados en una interpretación particular puede variar según la obra que va a ser ejecutada.


La orquesta filarmónica moderna tiene su origen en Europa, concretamente en Francia y Gran Bretaña, en los siglos XVII y XVIII. Esta modalidad musical proviene de las antiguas orquestas de cámara que tocaban en los salones y palacios de las cortes.


El director de la orquesta cumple con una función principal respecto a la orquesta sinfónica, puesto que es el que la dirige e incluso da la formación musical. Es una persona que no sólo se mantiene el tiempo de la pieza y da las entradas de los instrumentos para que la interpretación sea coherente, sino que debe interpretar la partitura según el concepto "global", manteniéndose fiel al espíritu original de la obra pero dando una visión personal. Para conseguirlo, debe conocer en profundidad la vida y obra de los compositores.
El director no aparece en la orquesta hasta el siglo XIX, cuando realmente se establecieron los estándares de orquesta sinfónica, y surgió casi por motivos estéticos.




Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Orquesta_sinf%C3%B3nica
http://www.definicionabc.com/audio/orquesta-filarmonica.php

POEMA SINFÓNICO

El poema sinfónico es una obra de origen extra musical, de carácter poético literario, presenta una estructura determinada a pesar de su gran flexibilidad. Su finalidad es mover sentimientos y despertar sensaciones, o describir una escena mediante la música.

Por lo general se trata de una obra en un solo movimiento escrito para orquesta aunque puede ser para piano o para pequeñas formaciones instrumentales. Pero también podría formar parte de una serie de poemas sinfónicos a modo de suite cuyas distintas partes que corresponded a los diferentes episodios de la narración que la inspiran, se hallan encadenadas entre sí.






Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Poema_sinf%C3%B3nico
https://dirgnils.wordpress.com/musica-docta/poema-sinfonico/

COMPOSITORES IMPRESIONISTAS

Dentro de los compositores que fueron parte de este movimiento de se encuentran:

-René Amengual

-André Caplet

-Claude Debussy

-Frederick Delius

-Paul Dukas

-Maurice Ravel

-Alexis Roland-Manuel

-Albert Roussel

-Florent Schmitt

Fuente: Wikipedia

PERIODO IMPRESIONSITA

Tras varias décadas de búsqueda, el final del siglo XIX asistió finalmente a la síntesis de una identidad musical.

Esta síntesis se le bautizará Impresionismo por analogía con el movimiento pictórico. Pondrá en entredicho algunas de las bases conceptuales -armonía, textura, forma musical etc. -más firmes de la música occidental.

La música se caracteriza por una escritura no lineal en el tiempo, sino como una sucesión de impresiones. En las formas impresionistas lo que importa es lo colorida o sonoridad de cada acorde con independencia de las disonancias que estos puedan llegar a crear con sus choques con los demás acordes.

En las obras se podían llegar a emplear escalas orientales y exóticas. Además, las formas no tienen una estructura clara, ya que no presentan puntos climáticos o largas frases distinguibles.

Utilizan los modos (refiriendo a una escala musical, la relación rítmica y la relación interválica), introduciendo numerosas variaciones de cada uno, e incluso inventándolos.

Experimentan con el timbre, y este se convierte en el factor más importante de la música impresionista. De esta manera, se conseguían efectos nunca antes vistos en la música.

Este Preludio de Claude Debussy, La Cathédrale Engloutine, es un claro ejemplo de los diferentes timbres que se pueden escuchar en una sola obra.

Las formas utilizadas en este periodo fueron:

-Sinfonía
-Poema sinfónico
-Obertura
-Rondó
-Romanza
-Variaciones sinfónicas
-Suite
-Sonata o preludios.













Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo_musical
https://bustena.wordpress.com/historia-de-la-musica-online/el-siglo-xx-y-la-era-del-sonido/unidad-24/
http://mlozar.blogspot.mx/2012/11/la-musica-del-impresionismo.html

ORQUESTA DE CÁMARA

Es aquella que abarca todo tipo de conjuntos instrumentales, con la única condición de poseer un tamaño pequeño. Puede incluir hasta 30 instrumentistas.

Viene de la expresión "de Cámara" referido al salón, que en su origen denota los salones de música de los palacios y grandes residencias del siglo XVII.

Las orquestas de cámara se pueden clasificar en:


-Orquesta barroca: conjunto de cuerdas frotadas con intervenciones ocasionales de otros instrumentos, en especial como solistas. Formada a través de las obras de Corelli.

-Conjuntos instrumentales indefinidos para música de cámara, como los necesarios para los divertimentos de Mozart, el Septimito de Beethoven y obras semejantes.

-Conjuntos contemporáneos que aunque ya no nos "para el salón", tienen un formación instrumental reducida o poco común.

-Orquesta de cuerdas: integrada por violines, violas, violonchelos y contrabajos, más clave o piano.





Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Orquesta_de_c%C3%A1mara
https://sinalefa2.wordpress.com/2010/04/10/la-orquesta-de-cmara/
http://www.inba.gob.mx/actividad/593/orquesta-de-camara-de-bellas-artes

COMPOSITORES NACIONALISTAS POR PAÍSES

Rusia: 

-Mijaíl Glinka, se le considera el padre de la música rusa.

-Los cinco, que eran Mili Balákirev, César Cui, Aleksandr Borodón, Modest Músorgski y Nikolái Rimski-Kórsakov. Todos autodidactas. En sus composiciones predominan los aires populares.



Checoslovaquia:


-Bedrich Smetana, primer gran compositor nacionalista, bohemio.

-Antonín Dvorák, incluyó temas y elementos bohemios en su música.

-Leos Janáek, quien realiza trabajos de investigación y catalogación de la música tradicional de Moravia. Predispuesto a la modalidad y las escalas pentatónicas.



Polonia:

-Frederic Chopin, compositor y virtuoso pianista polaco que es considerado uno de los más importantes de la historia.

-Stanislaw Moniuszko, otro virtuosos pianista, creador de la ópera polaca.



Hungría:

-Béla Bartók, famoso compositor húngaro, recogió en sus obras ritmos exóticos y desconocidos así como escalas primitivas como la pentatónica.

-Zoltán Kodály, junto con Bartók investigó en folklore de húngaro y de otros países limítrofes, recogiendo miles de melodías que permitieron un conocimiento profundo de su verdadera esencia musical.



Noruega:

-Edward Grieg, violinista e investigador de la música tradicional.



Finlandia:

-Jean Sibelius, basaba sus trabajos en la música tradicional finlandesa. Tenía sensaciones patrióticas fuertes hacia su país.


España:


-Enrique Granados, se expresa ante todo con el piano. Compone las zarzuelas, un tipo de teatro musical español.

-Manuel de Falla, sus obras impregnan el carácter nacional con casi todos los movimientos de vanguardia europea.


México:


-Manuel M. Ponce, compositor controvertido. Se dedicó a crear una obra musical basada en temas del folklore mexicano. Compuso para varios instrumentos, en especial para guitarra.

-Carlos Chavez, compositor, director de orquesta, maestro y periodista. Su música estuvo influenciada por las culturas nativas de México.

-José Pablo Moncayo, forma el grupo "Los Cuatro", para difundir sus obras que reflejan el espíritu nacionalista de México.

-Silvestre Revueltas, su música ha despertado el interés musicológico internacional.  Compuso música para películas, de cámara, canciones y algunos otros trabajos. Su música orquestal incluye poemas sinfónicos.



Chile:

-Pedro Humberto Allende Sarón, obtuvo el primer Premio Nacional de Arte, mención: música. Destacado por ser el pionero de la música nacionalista en Chile.


Venezuela:

-Antonio Estévez, destacado compositor y director de orquesta. Su obra cumbre, La Cantata Criolla es la pieza más importante del nacionalismo musical venezolano.


Reino Unido:

-Joseph Parry, compuso la primera ópera Never Say Never. Viaja entre América y Gales e interpreta en recitales canciones "glees" con textos galeses.

-Alexander McKenzie, sus arreglos publicados y preparados de canciones populares escocesas entre muchas otras, tiene elementos populares.


Estados Unidos:

-Arthur Farewell, trabajó con música americana nativa, también estudió canciones populares americanas, anglo-americanas y africanas así como música mexicana y vaquera.



Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Nacionalismo_musical

FORMAS MUSICALES DES PERIODO NACIONALISTA

El poema sinfónico: es una composición musical, casi siempre creada para orquesta, que se basa o inspira en una obra literaria o en una idea poética. Usualmente es de un solo movimiento.

A mediados del siglo XIX, el compositor Franz Liszt acuñó el término "poema sinfónico", y fue con motivo del estreno en 1849, de su obra Tasso, lamento e trionfo.

El poema sinfónico presenta una estructura determinada, de un solo movimiento, aunque se puede hacer a modo de Suite*, con una seria de poemas sinfónicos.

La suite*, que es composición musical compuesta por varios movimientos breves cuyo origen son distintos tipos de danza barroca. La suite está considerada como una de las primeras manifestaciones orquestales del tipo moderno. Para que se mantuviera la unidad interna, todos los pasajes de una suite se componían en la misma tonalidad.

De Rimsky-Korsakof destaca la suite sinfónica Sherezade, utiliazando precisamente el molde más representativo del Nacionalismo, el poema sinfónico. Que dejo a continuación:

El ballet: pieza musical compuesta, a propósito, para ser interpretada por medio de la danza.

La ópera: género musical teatral en el que una acción escénica se armoniza, se canta y tiene acompañamiento instrumental. Las representaciones suelen ofrecerse en teatro de ópera, acompañadas por una orquesta o una agrupación musical menor.

Aquí dejo la suite de la Opera Háry János, cuarto movimiento:

Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Nacionalismo_musical
https://dirgnils.wordpress.com/musica-docta/poema-sinfonico/
http://www.melomanos.com/la-musica/formas-musicales/poema-sinfonico/
https://es.wikipedia.org/wiki/Ballet
https://es.wikipedia.org/wiki/%C3%93pera

PERIODO NACIONALISTA

Teniendo su origen en el Romanticismo, surge en la segunda mitad del siglo XIX, nacido a la luz de un movimiento político que lleva su misma denominación, teniendo como finalidad lograr la independencia o unificación de un determinado territorio que mantienen una unidad geográfica, cultural, lingüística o folclórica; a modo de reafirmar los valores esenciales de cada raza o nación a través de su música popular.



La principal cualidad de la música durante este periodo es precisamente la de expresar las ansias de unificación o independencia.

Características:

1) La búsqueda de identidad a la que se va abocada constantemente, esta se realiza mediante la adaptación del ámbito sinfónico de las formas musicales folklóricas.

2) El folklore pasa a ocupar un primer rango como forma de expresión musical y es asumido como forma óptima de expresión de las naciones.

3) Ya no se compone en las formas aristocráticas y burguesas (sonata, cantata, concierto etc.), sino que ahora se recurre a las formas tradicionales propias del pueblo. La suite se asienta como una de las formas más importantes del nacionalismo.

4) Como en el Romanticismo, esta constante referencia a la música folklórica produce un enriquecimiento constante en melodías.

5) Se incorporan nuevos lenguajes armónicos, inexistentes en Europa hasta este momento, con influencias orientales son músicos como Chaikovsky o Rimsky-Korosakov que incorporan estos lenguajes armónicos orientales a sus composiciones.

6) El mismo hecho nacionalista implica un sentimiento de rebelión política y la música pasa a ser, por tanto, un símbolo usado por la población que la hace su bandera.



Así pues, el primer nacionalismo surge en Rusia con la ópera La vida por el Zar (1836) por el compositor M. Glinka, cuyo argumento y melodía son enteramente rusas.

El material folklórico de cada país es diferente, lo que motiva la creación de las escuelas nacionalistas, entre ellas:

La Rusa:que fue la primera en enaltecer el sentido nacionalista como ya se mencionó. Cantos y danzas presentan variedad, originalidad de formas y expresiones. El instrumento típico muy difundido es la balalaika (de la familia del bandolín) con dos o tres cuerdas y caja sonora de forma triangular.

La Bohemia: cuyo auge estuvo relacionado con las reivindicaciones políticas y contra las imposiciones del dominio austriaco. Clima propicio para toda expresión nacionalista.

La española: saturada de ópera italiana, despertó al Nacionalismo un poco más tarde que otras naciones. Se distinguen dos etapas: la primera (de asimilación) y la segunda (de madurez).

La escandinava: constituida por músicos formados en conservatorios que sintieron la necesidad de reafirmar el derecho de expresar sus valores nacionales. Sintieron predilección por la canción popular, el canto coral y la música de cámara.



La libertad que durante tanto tiempo proclamó este movimiento tuvo como resultado el hecho de que las naciones desearan elegir libremente su propio destino (lo que se dio a conocer como la primavera de los pueblos), y que los artistas buscaran nuevas estéticas que se ajustaran más a sus propios sentimientos y cultura. Acontecimientos históricos como la invasión napoleónica contribuyeron a enardecer los ánimos, despertando sentimientos de unidad y de firme voluntad de diferenciarse.



Fuentes:  http://es.slideshare.net/Apreciacionmusical2009/nacionalismo-musical
https://depmusica.wikispaces.com/file/view/NACIONALISMO+MUSICAL.pdf
http://www.abc.com.py/edicion-impresa/suplementos/escolar/la-musica-nacionalista-582996.html
https://prezi.com/0ycxblcohb3m/nacionalismo-musical/

ADORNOS MUSICALES

Notas de paso:

Estas notas ajenas al acorde se colocan entre notas reales de distinto nombre, a distancia de segunda mayor o menor, ascendente o descendente, teniendo el mismo o menor valor que las notas reales, nunca.
Se producen por lo general en acento débil de compás o de parte aunque, si la armonía dura dos o más partes pueden ocupar el acento fuerte. Lo mismo puede ocurrir dentro de una parte de compás en valores breves.



Bordado: 

Las bordaduras son notas de la escala un grado arriba o debajo de la nota principal y se usan para proporcionar el interés rítmico entre las notas comunes. Frecuentemente se usan las bordaduras cromáticas debido a la fuerte resolución de semitono que ellas poseen.

Apogiatura:


Son notas situadas inmediatamente encima o debajo de notas del acorde que aparecen en lugar de estas un momento, para dejarlas sonar a continuación, suelen aparecer en tiempo fuerte. Nota ajena al acorde que se toca en el tiempo o parte fuerte y que resuelve a una nota del acorde.



Accaciatura:

Se trata de una nota no armónica tocada un todo o un semitono por encima o por debajo de la nota principal y es liberada inmediatamente después.



Trino:

La repetición de dos notas de forma rápida y alternada es lo que se conoce de trino. Para que sea trino, las dos notas tienen que estar a intervalo de un tono o medio tono. El símbolo que representa este adorno son las letras "tr".

Fuentes:
 http://www.aprende-gratis.com/teoria-musical/curso.php?lec=adornos-musicales
http://toca-y-lucha.blogspot.mx/2013/09/adornos-musicales.html
http://www.guitarristas.info/foros/apoyaturas-bordados-notas-paso/97306

PERIODO ROMÁNTICO

El Romanticismo fue un periodo que transcurrió aproximadamente entre principios de 1820 y la primera década del siglo XX.

Muchos historiadores coinciden en que el Romanticismo amplió la estructura de la sinfonía, cuya forma adquirió mayor flexibilidad; se agregaron nuevos adelantos en la orquestación; se destacó la parte melódica y se enriqueció el lenguaje armónico, así como el ritmo.

La música en este periodo es la más valorada entre todas las artes: al ser la más abstracta e intangible de las artes puede llegar a regiones del alma humana donde no pueden hacerlos no las palabras ni las imágenes.

El compositor romántico abandona la rigidez del clasicismo para buscas una expresión más directa y apasionada de sentimientos y emociones individuales. Para ello, el compositor romántico dispones de nuevos recursos musicales: gran riqueza de matices, uso constante del crescendo y disminuendo. Junto con espectaculares contrastes entre fortísimo y pianíssimo.

Empleo muy flexible del movimiento: la pulsación abandona su regularidad muy frecuentemente a lo largo de la pieza con pequeños acelerando y ritardando, que provocan una sensación como de vaivén.


Aumentan las posibilidades tímbricas: la orquesta prácticamente dobla el número de isntrumentos con respecto al periodo anterior.
Casi todos los músicos de este periodo escriben música para orquesta: conciertos y sinfonías, que gracias a la música programática, permiten dar rienda suelta a la creatividad y fantasía de una compositor romántico que ya no está sujeto a la rigidez del periodo pasado.

Durante esta época el piano gozará de importante perfeccionamientos que posibilitarás el virtuosismo y los contrastes acentuados en la sonoridad. En la música para piano destacan una enorme variedad de pequeñas formas, todas ellas caracterizadas por estar poco supeditadas a formulas preestablecidas, esto le da total libertad de expresión al músico, siguiendo únicamente su inspiración.

Surge el lied o canción romántica, una composición breve para voz y piano en la que se pone música a una poesía, logrando una perfecta unión entre ambas. Entre sus importantes compositores te encuentran: F. Schubert, R. Schumann y J. Brahms.

Lied der Mignon. Op 62 Nº 4. Schubert

La ópera llega a su cúspide en Italia con las obras de Gaetano Donizetti y Giuseppe Verdi. En Francia florece también este arte con Lully y Rameau, y más tarde con Georges Bizet, Charles Gounod y Jules Massenet.

En Alemania, la ópera romántica se inicia con "La Flauta Mágica" de Mozart, pero no alcanza toda su madurez hasta la aparición de Karl María von Weber, y culmina con Wagner, quien traslada el centro operístico mundial desde Italia hasta Alemania.

La Flauta Mágica- Mozart.

En el periodo romántico se da comienzo al Nacionalismo, hasta 1848 el panorama musical estaba en manos de una cuantas naciones, (Italia, Alemania y Francia), que de alguna manera imponen un estilo musical común en toda Europa. A partir de ese momento, los países de la periferia de Europa (Rusia, Checoslovaquia, Hungría los países escandinavos etc.) inician un movimiento de reafirmación de la identidad nacional basado en las músicas propias de su folklore.

En Rusia es donde este movimiento toma mucha fuerza.

Sobresalen en este periodo músicos como:

Franz Schubert

Fréderic Chopin

Robert Schumann

Richard Wagner

Piotr llich Chaicovski

Guisppe Verdi

Johann Strauss

Entre los músicos nacionalistas podemos citar a:

Rimski Korasov

Tchaivcovski

FORMAS MUSICALES DEL ROMÁNTICO

Poema Sinfónico:

Describe con música la trama de una historia que cuenta con un programa. En muchos de estos, los personajes son representados cada uno por un instrumento que es ejecutado cuando se hace referencia al personaje en cuestión. Esta forma musical está escrita en un solo movimiento y para ser ejecutada por una orquesta.

Rachmaninov: "La Isla de los Muertos" (poema sinfónico, Op. 29).

El lied:

El término "lied" significa "canción". Forma musical alemana. Se reconoce a Franz Schubert como el creador del Lied alemán moderno.
Hace referencia a una composición de cortas dimensiones, para ser interpretada por la voz humana acompañada de pocos instrumentos, regularmente por el piano.

Lied der Mignon - Franz Schubert

Impromptu:

Sinónimo de improvisación. Pieza tradicionalmente pianística, cultivado por autores como Schubert y Chopin.

Chopin Impromptus - No.1 in A flat Major, Op.29

Estudio: 

Originalmente fue una composición que tenía por objeto que el ejecutante mejorara su nivel técnico a través de su estudio y ejecución, pero las composiciones de este tipo llegaron a tener un nivel tan extraodinario que se convirtieron en temas con los cuales el ejecutante podía demostrar su alto nivel técnico alcanzado en el estudio de su instrumento musical (primordialmente el piano)

Estudio Op. 25 n.º 6 de Frédéric Chopin 

Nocturno:


Es una pieza musical regularmente lenta, seguidamente expresivas y líricas.
Composición inspirada en el momento del día en que la noche comienza hacerse presente. Los primeros nocturnos escritos fueron compuestos por John Field.

John Field - Nocturne No. 5 in B flat major

Momento musical:

Composiciones de corta duración instrumentales que son ejecutadas por una orquesta o por una agrupación de pocos instrumentos. Algunas veces también se escriben para ser ejecutadas en el piano, generalmente tienen forma de lied. 

Schubert: Moment Musicaux N°3

Polonesa:

Danza de salón escrita en compás ternario y ritmo rápido, basada en los aires folklóricos de Polonia. Los temas que trataba eran diversos, desde historias de alto contenido eróticos hasta situaciones de la vida cotidiana pasando por encuentros con duendes y criaturas mitológicas. Esta es una danza polaca de movimiento moderado y en compás de 3/4. En su origen era una marcha solemne que daba principio y fin a una fiesta en casa de una familia de la nobleza.

Polonesa Nº 6 heroica, Chopin

Rapsodia:

Forma musical de estructura libra, de un solo movimiento en el cual se presentan arrebatos musicales, compuesta por diferentes partes temáticas unidas libremente y sin relación alguna entre ellas. Es frecuente que estén divididas en secciones, una dramática y lente y otra más rápida y dinámica, consiguiendo así una composición de efecto brillante.

Franz Liszt - Hungarian Rhapsody No.2 

Preludio:

Pieza musical breve, usualmente sin una forma interna particular, que puede servir como introducción a los siguientes movimientos: fuga, sonata de una obra que son normalmente más grandes y complejos. Muchos preludios tienen un continuo ostinato (técnica de composición consistente en una sucesión de compases con una secuencia de notas de las que una o varias se repiten exactamente en cada compás), debajo del fondo.

El preludio también puede referirse a una obertura, particularmente a aquellos de una ópera, oratorio o ballet.

Durante el siglo XVIII el preludio se asocia a la fuga con J. S. Bach en su obra para órgano o en "el clave bien temperado".

Frédéric Chopin - Prelude in E-Minor (op.28 no. 4)

Fuentes: http://maestro_abdhull.blogia.com/2006/053002-formas-musicales-del-periodo-rom-ntico.php

https://es.wikipedia.org/wiki/Estudio_(m%C3%BAsica)

https://es.wikipedia.org/wiki/Momento_musical

https://es.wikipedia.org/wiki/Nocturno

https://es.wikipedia.org/wiki/Impromptu

https://es.wikipedia.org/wiki/Polonesa

https://es.wikipedia.org/wiki/Rapsodia_(m%C3%BAsica)